Cine en Línea

Gods and Generals / Dioses y Generales

Posted by Guillermo en junio 10, 2008

“Gods and Generals” es una producción norteamericana de Ted Turner, que trata de los primeros años de la guerra de Secesión de ese país. Se ha constituido en uno de los más rotundos fracasos comerciales. Basada en una novela de Jeff Shaara de igual nombre, dirigida y adaptada por Ronald Maxwell.

Calificación: un celuloide un celuloide

cartel promocional gods and generalsResumen

El conflicto entre el norte y el sur está a punto de comenzar. El general Lee recibe el ofrecimiento de Lincoln de comandar el ejército que reunifique el país, mas este decide permanecer fiel a lo que decida su estado natal, Virginia. Thomas Jackson, que era instructor en la academia militar de Virginia asume sus responsabilidades en el ejército de la confederación y comienza a preparar sus tropas.

Del otro lado es destacada la figura de un coronel, que por ahora es simplemente un ex profesor universitario. También aparecen otros personajes, a quiénes ineptos generales no prestan debida atención.

Los enfrenamientos militares comienzan y “Stonewall” Jackson -militar competente y religioso fanatizado- tiene su parte en ello. Lee hace de él su mano derecha y se suceden triunfos sudistas. En su momento de mayor gloria, Jackson muere bajo fuego amigo.

Y por suerte la película termina

Comentario

Cuando me leí por ahí que Ted Turner había perdido 58 millones y medio de dólares realizando esta película me dije, tengo que verla. Y por cierto, ha sido una experiencia inolvidable: es sin duda uno de los mamarrachos más destacables en la historia del cine.

Y que no se entienda mal, no hablamos de una película de baja calidad, realizada con pocos recursos y malos actores, tal y cómo la impresionante cifra indica que no es. Se trata de una película impecablemente filmada, y que cuenta con actores muy destacables, algunos de los cuáles logran momentos de auténtico interés. El problema está en el enlace de esos momentos.

El pecado original, es el libreto.

Si bien los discursos son un maravilloso recurso que puede muy bien ser intercalado aquí y allá, salvo que uno sea Homero, es muy difícil armar una obra que gira una y otra vez sobre los mismos. El discurso supone uno que habla y todos que escuchan, es la negación del diálogo. Siendo que desde el siglo XVI al menos las formas dramáticas giran en su mayoría en torno al mismo, la negación del diálogo genera un cierto clima especial, operístico, podríamos decir, haciendo referencia a la detención que el aria suponen en el drama musical.

Pero ahí dónde el aria está justificada por la propia naturaleza de la obra, en esta película tal justificación desaparece. Por un lado, se intenta una reconstrucción lo más fiel posible de los personajes y eventos de la Guerra de Secesión norteamericana. Tal búsqueda de una aproximación fiel, habría implicado también una reconstrucción naturalista o realista de los diálogos. En su lugar, la carga forzada, innecesaria, pomposa, y de mal gusto, de una miríada de discursos, monologantes o tal cómo si lo fuesen, estropea el efecto.

Convive una versión impostada, de una acartonada teatralidad, originada en el libreto, con una filmación en los exteriores en que -generalmente- ocurrieron los hechos. Las referencias conceptuales al enfrentamiento entre connacionales, a la salvaguarda de la (¿?) libertad y unidad nacional, a la piedad, a la fe religiosa, al amor por parejas e hijos, todo se hace un fárrago textual.

No se entienda mal: tal vez en otra película, estos textos habrían resultado absolutamente aceptables. Pero para ello era necesario alejarse del molde hollywodiano más. Optar por otros recursos en la narración visual, por ejemplo. Y esto me lleva al segundo pecado de la película.

Es tediosamente reiterativa.

En una película bien hecha, las cosas se dicen la cantidad de veces que es necesario que se digan. No más.

En “Gods and Generals” los mismos conceptos se dicen, luego se muestran, se vuelven a decir, se vuelven a mostrar. Como si el espectador fuese tonto, o como si el realizador no confiase en la claridad de su producción.

Esto nos lleva al tercer pecado, la errónea selección del material a la hora del montaje. El libreto podría ser malo, la reiteración se podría haber producido. Pero en la sala de montaje, podría haberse ahorrado mucho material -en total dura tres horas y media, y el “Corte del Director”, que no vi, aparentemente dura unas seis horas-. Pero se optó por dejar todo ahí. Este es tal vez el pecado definitivo, por el que la película se condena al círculo infernal de los fiascos absolutos, ese lugar incluso indignos para las películas de clase Z.

Y para llegar al cuarto pecado hemos de pasar por una de las escasas virtudes. La tarea de reconstrucción histórica es cuidadosa. Vestuarios, artefactos, técnicas militares son fieles hasta dónde he podido averiguar. Pero -en esta película siempre hay un pero- tal fidelidad implica necesariamente que toda no fidelidad se trata de un olvido voluntario, de una vociferante omisión.

Así el cuarto es el pecado de las omisiones. La primera, que la principal causa de mortalidad durante la guerra fueron las enfermedades en los campamentos, en los que las condiciones de salubridad eran deplorables. Nada de eso.

La segunda, la ligereza, la casi ausencia, con que es tratado el tema del esclavismo.

Que se entienda bien, la guerra no fue para “liberar a los negros”. Fue una guerra entre un modelo de capitalismo industrial (norte) y uno de capitalismo agrario (sur). Así las cosas, la liberación de los esclavos resultaba significativa como mano de obra que produciría una baja en el nivel de los salarios, aumentando así la plusvalía.

Pero incluso sin llegar a tales niveles de comprensión, se debía indicar cómo claramente la ideología norteña se auto justificaba en la unidad nacional y la necesidad de liberar los esclavos, y cómo la ideología sudista se auto justificaba en la libertad local y la aceptación de la esclavitud como una institución consagrada por Dios. En una película tan llena de discursos, estos temas son tocados apenas y muy lateralmente. Se presentan para ello varias disculpas, que fácilmente pueden hallarse en la red. A mí no me convencen.

¿Qué más queda decir?

Que la banda de sonido es tosca, previsible y de mal gusto.

Cómo dije, lo único que realmente se salva son actuaciones, entre las que deseo destacar la de Robert Duvall como el general Lee.

La película era precuela de “Gettysburg” y sería seguida por otra más para completar una trilogía sobre el conflicto. Tras estos resultados económicos y artísticos, todo quedó en un díptico.

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Enlaces

http://www.imdb.com/title/tt0279111/ por más información en IMDB (en inglés)

http://en.wikipedia.org/wiki/Gods_and_Generals información en la Wikipedia de habla inglesa. A la fecha de escribir este artículo no hay página sobre el mismo en la versión en castellano.

http://es.wikipedia.org/wiki/Guerra_de_Secesi%C3%B3n por más información sobre la Guerra de Secesión Norteamericana en la Wikipedia en castellano

http://es.wikipedia.org/wiki/Thomas_Jonathan_Jackson sobre Thomas “Stonewall” Jackson, también en la Wikipedia en castellano

Para ver

http://en.cinemawiki.tv/movie/movie_Gods+and+Generals.html versión en Inglés, de calidad apenas aceptable. Si hallan subtítulos, agradeceré me los comuniquen para agregar el enlace.

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Belle de Jour / Bella de Día

Posted by Guillermo en junio 3, 2008

“Belle de Jour” es una coproducción franco italiana del año 1967, dirigida por Luis Buñuel, que narra un melodrama con incursiones surrealistas, y que fuese ganadora del León de Venecia, premio a la mejor película del festival de igual nombre. Se basa en la novela de igual nombre de Joseph Kessel, profundamente modificada.

Calificación: 5 celuloides

5 celuloides

cartel promocional frances belle de jourResumen

Una mujer de clase alta y con un bello marido se rehúsa a mantener con él intimidad sexual. Sin embargo, fantasea escenas sadomasoquistas. De forma casual conseguirá la dirección de un burdel parisino, y allí llegará, consiguiendo en él una plaza como trabajadora sexual.

Pasarán por su vida diferentes personajes, hasta que un joven delincuente quede prendado de ella. En esos momentos, un conocido de su pareja, que comparte con ella y su esposo los lujosos ambientes y relaciones, descubrirá su doble vida. Ella abandonará el prostíbulo, pero su amante delincuente creerá que es a él a quién deja. Éste la hará seguir, y al no conseguir de ella lo que pretende, baleará al marido, siendo luego muerto en la fuga.

El marido quedará inválido y ella lo atenderá dulcemente. Finalmente ese amigo de vida disoluta que descubriese su conducta oculta le revela al hombre la realidad que se le oculta.

Todo salpicado de ensoñaciones y fantasías, que no siempre se disciernen convencionalmente.

Comentario

Una película que reviste tanto interés puede ser comentada a partir de muy diferentes enfoques. Cuando además es intención del realizador -intención expresamente revelada en entrevistas- que no exista una lectura oficial de ella, más aún.

Así las cosas, hacer este comentario sobre la que es una de mis películas favoritas no parece sencillo.

Comencemos pues por decir que se trata de la primera película de lo que habitualmente se refiere como el “período francés” de la obra de Luis Buñuel. En él no sólo se opera un cambio en la lengua en que son filmadas varias películas y en los recursos técnicos puestos a su alcance. Además el realizador optará por una serie de cambios que atienen a las formas de la narración cinematográfica y a el uso de elementos del lenguaje cinematográfico propiamente dicho.

En cuanto a la narración, ésta tiende a hacerse imprecisa. Todo lo dicho es dicho es afirmado en un plano igual, dependiendo de la interpretación que el público hace de la realidad, que lo visto en pantalla se interprete como realidad, sueño, ensueño, o fantasía. Hasta este momento, en las películas de Buñuel se diferenciaba un período inicial, el que incluiría a “Un Chien Andalou”, “L’Age D’Or” y “Las Hurdes” en el que lo mostrado es conmovedoramente real/irreal. Es el rostro de lo que la realidad de lo inconsciente proyecta, o es la realidad documentalizada que se muestra desafiante a cualquier fantasía del horror. En el “período mexicano” se recoge esta última apreciación de la realidad, que se va conjugando con pasajes imaginarios, y oníricos, en un señalamiento en el que se privilegia la oposición entre ambas como forma de marcar su dialéctica. En esta etapa, los bordes entre ambos espacios -el real y el imaginario- se difuminan, exigiendo al espectador la tarea de demarcar los contenidos.

De algún modo esto permite un cine de superficies más sedosas, cosa que se traslada al uso de menos elementos chocantes en la imagen -no más ojos cortados, no más cadáveres putrefactos, no más cuerpos olvidados en la basura, no más referencia salvaje a la religión. Pero esta superficie sedosa, al recubrir contenidos voluntariamente unidos más desiguales, obliga al espectador a la tarea de discernir ensueño y vigilia. Y por cierto, esta tarea no siempre resulta complaciente.

Para el caso de esta película podemos decir que la misma transcurre como si fuese un melodrama erótico, cuyo guión perfectamente pudo haber sido utilizado para una película de la Coca Sarli. ¡Incluso algunos diálogos!. Sin embargo, esto lo que hace es convalidar uno de los aspectos de la oposición que late bajo la tela: el mundo real es un mundo en el que nada es tan real como pudiese parecer.

Así, la protagonista virtuosa, resulta ser una prostituta; la madama que la intenta besar al conocerla, rechaza luego el beso; la amiga con un corte de pelo muy semejante al de la colega en la antigua profesión, el remesero rehuye al transeúnte de aspecto rufianesco para ir al ascensor del rufián de aspecto respetable.

La sociedad burguesa, y la sociedad que la burguesía produce para ser satisfecha -incluyendo los espacios del delito que en definitiva ahí están para permitir al burgués saciar sus deseos- se muestran de un lado de la tela, del lado suave. La tela sin embargo oculta otras tramas.

Los sueños de Severine, las ensoñaciones, los recuerdos, todo ello indistintamente presentado de forma que no sepamos si es real o fantaseado, muestran como esa sociedad reclama ser completada. El acto de violencia que importa la instauración de su régimen, se traslada por debajo de la fachada casta y severa, para implicar un acto de afirmación del yo, que no puede darse como afirmación liberadora, sino que necesita hacerlo como negación esclavizante.

Así Belle de Jour será sometida, y ese sometimiento será precisamente su triunfo. Triunfo que se constituye en su acceso al mundo de los toscos enriquecidos, de los asiáticos incomprensibles, de los necrófilos, y de los rufianes. Mientras que sus colegas viven su tarea como una forma de ganar sus sustento, la burguesa halla en ella sólo una forma de satisfacer su fantasía, en la negación de su vida, sin perderla.

Nuestro amo juega al esclavo, dirían los Redondos de Ricota.

Por eso cuando la trama de la tela es cortada y las caras opuestas de un sólo mundo que es se ven las caras, la respuesta se hace imposible. Hay dos personajes instalados como los portadores de un mundo hacia el otro, en otro juego de antagónica dialéctica.

De un lado Michelle Piccoli, el amigo burgués quién no se deja engañar por la convencionalidad superficial de la vida sexual de su clase; del otro Pierre Clémenti, el amante que niega le sea escatimada la totalidad de la mujer que ama.

Belle de Jour huirá del prostíbulo por temor al primero, pero será interpretado por su jefa y sus compañeras como una huída del segundo. Éste también creerá que huye de él, y finalmente dejará inválido al marido, para ser luego muerto. De igual modo que el bandolerismo puede herir a la burguesía, pero nunca acabar con ella.

Siendo la burguesía la clase imperante, corresponderá a Michel Piccoli ser quién finalmente exprese la unión de los mundos exponiendo al marido paralítico, la realidad de su casta mujer. Sin embargo, al no ser un agente de liberación, sino sólo la expresión individual de alguien que puede ver lo que realmente ocurre en los dos mundos, su vos llegará solo a un hombre aislado de la realidad, incapaz de actuar sobre ella, de verla o de decir siquiera si ha oído.

Sólo el gesto de su mano, como intentado aferrar algo que ahí no está, pareciendo indicar que todo se desenvuelve aún como en un mundo fantasma.

Por eso al final, Catherine Deneuve, Belle de Jour, puede seguir sonriendo en la bella sala, y fantasear con una charla amable con su esposo, y abandonando la fantasía en la que era sometida, fantasear con el poder que ahora tiene sobre aquél que fue antes su esposo en un matrimonio que nunca se ha consumado.

La película está llena de detalles, de pequeñas cosas que en una escena y otra van armando este cuadro, y para tratarlos todos sería por cierto necesario un pequeño libro. Permítaseme señalar simplemente la escena en que el marido, Jean Sorel, fuma un cigarrillo apagado. Y no es un error de la película.

Por lo demás vale decir que recomiendo muy especialmente observar los encuadres, el cuidado por los planos de detalle, los movimientos de la cámara. Todo tiene mucho que decir.

Esta película es un clásico.

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Enlaces

http://www.imdb.com/title/tt0061395/ para ver detalles de la película en IMDB (en inglés)

http://es.wikipedia.org/wiki/Belle_de_Jour artículo de la Wikipedia de habla castellana sobre la película

http://es.wikipedia.org/wiki/Luis_Bu%C3%B1uel artículo sobre Luis Buñuel en la misma Wikipedia

http://www.luisbunuel.org sitio oficial sobre Luis Buñuel, el más grande director de todos los tiempos

Para verla

Bajé mediante el E-mule (programa de intercambio de archivos P2P que puedes conseguir haciendo clic aquí) una versión con excelente calidad de imagen y sonido. Tiene una pista en castellano y otra en francés.

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Día del Jucio Final / Doomsday

Posted by Guillermo en mayo 28, 2008

“Doomsday” es una co producción británica, estadounidense y sudafricana de ciencia ficción del año 2008. Presenta un universo distópico, en un autoproclamado homenaje a “Fuga de Nueva York” y “Mad Max”

Calificación: un celuloide

un celuloide

cartel promocional DoomsdayResumen

Una plaga viral azota escocia y el gobierno británico aisla el país mediante la construcción de un muro y el cierre estricto de costas y espacio aéreo. Una niña es salvada de su destino como habitante del país condenado, para convertirse con el paso del tiempo en una integrante del cuerpo de seguridad, en el que destaca entre otras cosas por el uso que hace de un ojo artificial.

Más la peste reaparece en Londres 27 años después, y mientras sectores de la ciudad son aislados, ella y un grupo es enviado a Escocia para ver si entre los escasos supervivientes se halla la cura para esta enfermedad.

Hallará unos grupos violentos y pintorescos, habitantes cyberpunks antropófagos, o caballeros medievales, y finalmente conseguirá huir ella y uno de sus hombres, llevando consigo una jóven que forma parte de esa sociedad de sobrevivientes.

La gente en el poder no planeaba permitir que la plaga continuase, para … retener mejor el poder. Ella hace conocer la grabación de la filmación y conversación al respecto con uno de los mandamases, y luego regresa con los ciberpunks antroófagos para convertirse en algo así como su líder.

Comentario

Esta película tiene a su favor el carecer de mayores pretensiones. No pretende trasmitir nada, no pretende ser una obra de arte. Bueno lo logra, no lo es. Ni siquiera es una buen pieza de entretenimiento.

Sin embargo, para película no prentensiosa, tiene algunos bordes que rondan peligrosamente la intertextualidad: las referencias a clásicos ciberpunk como Mad Max y Fuga de Nueva York están a la orden del día. Amén de ello el comienzo de la película puede hacer a algún distraído -como me pasó a mí- creer que iba a ver una película con ribetes creativo y tal vez algú nivel de crítica política.

La potencia de la alusión al muro entre usamérica y México, el traslado de la problemática de la inmigración ilegal a un marco inter-europeo, el tema de las plagas y de un poder central que inhumaniza al ordenar… el material era por cierto atractivo. Pero es mal negocio criticar una película por lo que no es.

Y esta es simplemente una serie de escenas con disparos, espadas, carreras, violencia varia, exhibición -parcial- de cuerpos, y finalmente momentos que se pretenden de tensión. Entonces, veamos que tal funciona eso.

Para empezar, habrá que decir que la película nos pide que creamos que tras 27 años de aislamiento aún existe combustible en Escocia como para hacer funcional muchos autos, para ser derrochado en carreras y para dar energía a algún generador con que encender luces y hacer funcionar un equipo de amplificación para espectáculos. Yo no lo creo.

También nos pide que creamos que una población tecnológicamete retardada tiene recursos para armar raros peinados, elaborados tatauajes, ropas que parecen salvajes, matener cárceles… y todo en medio de un clima interior de violencia que seguramente en menos de una década habría acabado con cualquier sociedad. Tampoco lo creo.

Debemos además creer que tal sociedad puede funcionar sobre los despojos de la sociedad preexistente, sin más economía que el canibalismo. Tampoco la economía de la otra sociedad, la que aparente feudalismo, es clara, pero aquella al menos sería más creríble.

Deberíamos para ésta aceptar que en medio de tales circunstancias, se podría generar una sociedad de aspecto feudal, en torno a un antiguo científico, y que la misma podrá tener espectáculos “cirsences” -en el sentido de circo romano- como una práctica habitual. Tampoco me lo creo.

La película pide que creamos muchas cosas. También que creamos que se podría amurallar y condenar a Escocia entera sin que el resto de la sociedad hiciese nada contra ello. Algo difícil de creer.

Así las cosas, todo el resto es una acumulación de momentos de vértigo visual que reposan en los dos elementos positivos de la obra: montaje y fotografía. (La banda sonora tiene momentos muy logrados y otros para el olvido).

En medio de todo, Malcom MacDowell muestra que puede decir muy bien unas líneas espantosas, en una película indecible.

En fin, si uno está dispuesto a creer, a poner de sí… entonces la película puede funcionar. Pero si la película exige para funcionar que uno ponga tanto de sí, entonces es que ella carece de los mínimos elementos para hacerse creíble.

Por eso no es creíble el aislamiento, ni que tengan combustible, ni cómo se ven los sobrevivientes, ni las economías imaginarias, ni la sociedad arcaizante, ni tampoco que el líder inglés -líder de una sociedad que decidió olvidar a millones de escoceses- tiemble en el poder por haberse descubierto sus sanguinarios propósitos.

Y para última cosa sin pie ni cabeza: una jóven, que es inmune a la peste… será la persona de cuya “sangre” se podrá crear la medicación contra el mal. Reprobado también en biología.

Con todo lo anterior, el director -Neil Marshall-, de antecedentes claramente modestos, pero siempre cuidados en lo visual, se garantiza un lugar en las listas de mi olvido. Es un gran ejemplo de cómo ser un director “de culto” y en realidad no ser sino muy poca cosa.

Porque para ver películas de tensión… mejor que este intento de homenajear son las homenajeadas. Y para ver películas realmente de tensión… hay otras que además son buenas

Post Scriptum: ¿Qué hace Bob Hoskins ahí?

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Enlaces

http://www.imdb.com/title/tt0483607/ para ver detalles de la película en IMDB

http://en.wikipedia.org/wiki/Neil_Marshall para ver conocer más sobre el director, en la Wikipedia de habla inglesa (no hay página en castellano a la fecha de realizar esta entrada)

http://en.wikipedia.org/wiki/Doomsday_%28film%29 por información en la Wikipedia de habla inglesa sobre esta película (tampoco de la película hay págia en castellano al día de hoy)

Para verla

En Sidereel y en Cinemawiki hay varios enlaces a esta película. La mayoría dan a “filmaciones” en sala de la película, o a copias mal sincronizadas y con mala calidad visual. El siguiente enlace por el contrario da a la única versión de calidad apenas por debajo de lo aceptable que hallé:

http://www.sidereel.com/Doomsday/_watchlinkviewer/738

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